historiadelhabitat@gmail.com

jueves, 6 de mayo de 2021

Algunas páginas interesantes

https://www.lavanguardia.com/vida/junior-report/20190429/461871472671/leonardo-da-vinci-500-aniversario.html https://www.lavanguardia.com/vida/junior-report/20190429/461869968127/leonardo-da-vinci-whatsapp.html https://www.lavanguardia.com/vida/junior-report/20190429/461941634103/leonardo-da-vinci-secretos-pinturas-bocetos.html https://www.arteespana.com/renacimiento.htm

El nacimiento del Estado Moderno en 15 minutos

Michelangelo Buonarroti, el artista total

El Renacimiento (Quattrocento)

El Renacimiento en Europa

¿Qué fue el Renacimiento?

El Renacimiento fue un movimiento artístico-cultural que, desde Italia, se extendió por Europa Occidental a partir del siglo XV. Fue la manifestación cultural de un cambio en la mentalidad europea que pasó de una concepción de mundo teocéntrica, propia del periodo medieval, a una antropocéntrica. Este cambio, manifestado en la corriente filosófica humanista, se considera el inicio de la Edad Moderna. El pensamiento antropocéntrico ponía énfasis en la facultad humana para acceder al conocimiento del mundo a través de la razón. En este sentido, las personas del Renacimiento se consideraban herederas de los valores de la cultura griega y romana. El concepto de «renacimiento» hace referencia a la recuperación de esos valores clásicos luego de la Edad Media. Se suele dividir el Renacimiento artístico en dos momentos: El Quattrocento, o Primer Renacimiento: desde 1400 hasta 1480 aproximadamente, tuvo como centro a la ciudad de Florencia. El Cinquecento, o Alto Renacimiento: desde 1480 hasta 1520, que se centró en Roma desde donde se extendió por Europa.
La creación de Adán, forma parte de la decoración de la bóveda de la Capilla Sixtina realizada por Miguel Ángel Buonarroti entre 1508-1512. Características del Renacimiento Entre las principales características del Renacimiento podemos destacar las siguientes: Se desarrolló un espíritu crítico con pretensión de conocer científicamente la realidad. Esto se manifestó en todas las artes y en el modo de concebir la relación de las personas con el mundo. Se inició en la ciudad italiana de Florencia y desde ahí pasó primero a las demás ciudades italianas, especialmente a Roma y Venecia y luego al resto de Europa. Adquirió gran importancia el concepto de individuo. Se manifestó mediante la búsqueda de trascendencia personal a través de las propias obras ya sea como creador, en el caso de los artistas; o como protector y brindando apoyo material a los artistas en el caso de los mecenas. El arte fue al mismo tiempo naturalista e idealista. Los artistas pretendían representar el mundo real tal como se veía, pero al mismo tiempo querían mostrar solo su belleza Para lograr representar sobre la superficie plana del cuadro o la pared la tridimensionalidad del mundo real desarrollaron técnicas, como la perspectiva que daba sensación de espacio y el claroscuro, que permitía dar volumen a los cuerpos. Los artistas se transformaron en intelectuales con conocimiento de matemática, geometría y óptica para resolver los problemas de la perspectiva; de anatomía para representar el cuerpo humano; así como de literatura, filosofía y teología para darle interés a los temas de sus obras. En literatura, se tomaron temas y personajes propios de la antigüedad clásica. Al mismo tiempo, las formas adquirieron tanta importancia como los temas los temas tratados. Origen del Renacimiento Su origen se remonta a Florencia, Italia, al año 1400 en donde se gestó una intención de transformar y evolucionar el arte en Europa, el cual para este momento conservaba el estilo medieval. De esta manera, el arte renacentista dejaría de presentar en sus obras tan solo el material religioso y comenzaría a plasmar el arte en torno al ser humano, a sus deseos, sentimientos y deleites. Este movimiento artístico generó un nuevo abanico de estilos, tales como la creación de retratos, las obras al desnudo y los cuadros de mitología y paisajes. El Renacimiento dio lugar a una nueva era artística pero también a una nueva era cultural, ya que desde aquel momento se empezaron a construir palacios, universidades y ayuntamientos, cuando anteriormente tan solo se construían iglesias. Aunque sus cambios fueron lentos y rigurosos, finalmente se logró el cometido y hubo un cambio significativo en el arte, transformación que brindó innovación y progreso, consecuentemente, al campo social y científico. Causas del Renacimiento Entre las causas que impulsaron la aparición y la difusión del Renacimiento se pueden mencionar: La expansión del comercio a partir el siglo XIII favoreció el desarrollo urbano y el surgimiento de una rica burguesía comercial, financiera e industrial, muy interesada en la adquisición de conocimientos y en el consumo de obras de arte. La prosperidad de las ciudades italianas, que se manifestó en la construcción de nuevos edificios y monumentos. La aparición de los mecenas. Estos eran personas poderosas y adineradas que protegían a los artistas y les daban apoyo económico. En el período renacentista los mecenas más importantes fueron la Iglesia católica, los banqueros y grandes comerciantes italianos y, fuera de Italia, los reyes y sus cortes. El desarrollo de las universidades que estimularon la recuperación del pensamiento grecolatino y la difusión del humanismo. La invención de la imprenta, que facilitó la difusión de las ideas humanistas. Renacimiento y Humanismo Artículo principal: Humanismo. El Renacimiento aprovechó el ímpetu del hombre y lo trasladó al desarrollo de las ciencias y la modernidad. El Humanismo, primero, había sembrado las bases para que el hombre se colocase y pensase como un ser intelectual y capaz de realizarse a través de las artes y las ciencias. Ambas corrientes se formaron en torno a las capacidades del ser humano en cuanto al arte, la filosofía y la ciencia. El Renacimiento aplicó las capacidades humanas directamente sobre el campo intelectual y artístico. En definitiva, el Renacimiento en conjunto con el Humanismo determinaron una nueva concepción del mundo y del hombre. Artistas del Renacimiento Entre los principales artistas protagonistas del movimiento artístico renacentista se encuentran los siguientes: Filippo Brunelleschi (1377-1446): arquitecto florentino. Se lo considera el inventor de la perspectiva matemática. Sandro Botticelli (1445-1510): pintor italiano nacido en Florencia. Algunas de sus obras más reconocidas son «El nacimiento de Venus» y «La primavera». Leonardo Da Vinci (1452-1519): pintor, arquitecto, escultor, ingeniero, inventor y destacado por su conocimiento de la ciencia. Entre sus obras se destaca «La última cena» ubicada en el refectorio del convento de Santa María de las Gracias en Milán. Miguel Ángel Buonarroti (1475-1564): arquitecto, pintor y escultor italiano. Desarrolló su carrera en Florencia y Roma. Entre sus obras se destacan la bóveda y una de las paredes de la Capilla Sixtina, el diseño de la cúpula de la Basílica de San Pedro en el Vaticano, las esculturas de David y varias versiones de La Piedad. Alberto Durero (1471-1528): pintor, dibujante y grabador alemán. Tiziano Vecellio (1477/1490-1576): pintor veneciano. Rafael Sanzio (1483-1520): arquitecto y pintor italiano. Es considerado uno de los grandes maestros del período renacentista. Principales obras del Renacimiento Algunas de las principales obras del Renacimiento son:
La cúpula de la catedral de Florencia, de Filippo Brunelleschi.
Las pinturas de la Capilla Sixtina en el Vaticano.
La última cena, de Leonardo da Vinci.
Las estancias vaticanas de Rafael Sanzio. Bibliografía: Gombrich, E. H. La historia del arte. London, Phaidon Press Limited, 17.° ed. 1997. Hauser, Arnold. Historia social de la Literatura y el Arte. Buenos Aires, Debate. 2006. Johnson, Paul. El Renacimiento. Buenos Aires, Mondadori. 2005.

LA CIUDAD IDEAL RENACENTISTA: FLORENCIA, ROMA, PIENZA Y SFORZINDA.

LA CIUDAD IDEAL RENACENTISTA: FLORENCIA, ROMA, PIENZA Y SFORZINDA. Puede afirmarse en términos generales que nunca se edificó una ciudad renacentista. La misma Florencia, cuna del Renacimiento, era en 1490 un espacio fruto de su herencia romana y medieval. El corazón se estructuraba siguiendo el plano ortogonal de la antigua ciudad fundada por los romanos, como se puede observar en la foto aérea, pero a su alrededor se había formado desde el siglo XII una maraña de callejuelas que rompían ese orden.
Delimitación de la Florencia romana.
Florencia 1490. Sí se puede decir, en cambio, que hubo ampliaciones o remodelaciones de barrios que mejoraron las ciudades salidas de la Edad Media. En este artículo veremos algún ejemplo. También que hubo varios proyectos, ciudades que no pasaron de la teoría de un tratado de arquitectura como Sforzandia. La excepción a esta afirmación sería la ciudad fortín de Palmanova casi a finales del siglo XVI. Los proyectos de mejora de las ciudades renacentistas. La anarquía de la ciudad medieval se oponía a las teorías estéticas del Renacimiento. Se elaboraron muchos tratados teóricos sobre la ciudad ideal e incluso algunos pintores fueron más allá creando vistas ciudadanas (vedutas) que reflejaban las nuevas ideas. Las vedutas más conocidas son las tres que nos van a servir de ilustración a esta parte del artículo. Se atribuyen a distintos autores. Entre las distintas teorías sobre estas imágenes hay algún investigador que da la versión de que son tres obras de Leon Battista Alberti (las únicas obras pictóricas que se conservarían de este arquitecto) y que representarían distintas vistas de una hipotética Roma reedificada. Hoy se conservan en tres museos distintos en Urbino, Baltimore y Berlín.
Vista de una ciudad ideal en el Walters Arts Museum de Baltimore. Atribuido a varios autores. Al fondo se ve un arco de triunfo (¿el de Constantino?), el Coliseo y un baptisterio. Flanqueando los extremos dos modelos de palacio renacentistas. En el centro una plaza que posee como elemento central una fuente y cuatro columnas. La irregularidad del trazado anárquico medieval se oponía al sentido del equilibrio y de la uniformidad renacentista. A las callejuelas intrincadas e inesperadas, el Renacimiento oponía trazados claros basados en calles anchas y rectas en tramado reticular, que no pudieron ser llevados a la práctica por el coste de derribar el callejero medieval. Como mucho se abrieron vías principales que actuaron como ejes viales uniendo puntos significativos de la ciudad. Este es el caso de la ciudad de Roma, donde Doménico Fontana planificó para el Papa Sixto V entre 1585-90 un ensanche más allá del casco medieval (ocupado básicamente por el antiguo Campo de Marte romano) para repoblar las colinas y ruinas deshabitadas. Su plan consistía en unir las 7 basílicas mayores, tomando como centro la basílica de Santa María la Mayor y una gran vía, "Strada Felice", desde la que partirían vías radiales hasta llegar a las plazas donde se situaban las basílicas o un obelisco, como punto referencia visual. El crecimiento de la ciudad en los siglos siguientes se basaría en estas articulaciones viarias puestas por Fontana.
La ciudad de Roma. Según el proyecto de Sixto V 1585-90. Las plazas sin forma definida, originadas por la unión de cruces de caminos, se trazarán en el Quattrocento siguiendo una uniformidad y una jerarquía. El pequeño centro urbano de Pienza puede ser un buen ejemplo. El Papa Pío II encargó al arquitecto florentino Bernardo Rosellino esta pequeña ciudad de retiro. La plaza de la ciudad estaría definida por los edificios más importantes
Plano de centro de Pienza. 1459-62.
El Palazzo Piccolomini, la residencia papal (de estructura similar al palacio Rucellai de Alberti); La catedral con un diseño de fachada que repite el uso de columnas y arcos que vemos en el palacio anterior. En frente, el pórtico del palacio Comunal o Ayuntamiento, desde donde está tomada la foto de abajo. Fuera de la foto el Palacio Borgia, para albergar a los obispos que visitaran al Papa. Pienza. Palazzo Piccolomini (derc.) y Catedral (izqu.), 1459-62. Otro ejemplo es la reedificación del Campidoglio, la antigua colina Palatina, que comienza Miguel Ángel a partir de 1538. Crea una plaza trapezoidal a la que se accede a través de una larga escalinata. Esta vez no hay iglesia. Los tres palacios quedan sujetos a un mismo programa en el que el denominador común es el orden gigante. Como centro eligió la estatua ecuestre de Marco Aurelio justo en el eje entre la rampa de ascenso, la puerta escalinata del Palacio de los Senadores y su torre.
Plaza del Capitolio. Roma. La verticalidad gótica se contraponía al deseo de horizontalidad renacentista. Los palacios medievales con sus torres que sobresalían sobre los tejados de las ciudades serían sustituidos en gran parte por construcciones cúbicas. El palacio Vechio de Florencia con su espectacular torre contrasta con los palacios del quattrocento como el de la familia Strozzi.
Palacio Vechio (s. XIV) y Palacio Strozzi (s. XV). Florencia. Las fachadas asimétricas del gótico se reconvertirán en uniformes edificios, donde los pisos se estructuraban por medio de cornisas-entablamentos y pilastras-columnas a la manera clásica
Vista de ciudad ideal en el Galleria Nazionale delle Marche, Urbino. Atribuido a varios autores. Abajo detalle.
La perspectiva y la simetría son los elementos más importantes para conseguir conjuntos equilibrados como podemos ver en este otro cuadro que reconstruye una ciudad ideal.
Vista de ciudad ideal en la Gemäldegalerie de Berlín. Atribuido a varios autores.
La ciudad ideal renacentista. Sforzinda y su plasmación Palmanova. Sforzinda fue un proyecto que nunca llegó a realizarse. Fue un idea desarrollada por Antonio Averlino, conocido como Filarete, en su "Trattato di Architettura" publicado en 1465. Sería una ciudad para mayor gloria del señor de Milán Francesco Sforza, de ahí el nombre. Trazada mediante círculos y cuadrados, su plano describe una estrella de ocho puntas inscritas en una circunferencia.
Plano de Sforzinda, 1465. En su centro se situaría la plaza, con la catedral, el palacio señorial, el hospital, los almacenes y los talleres. De allí irradiarían 8 calles hacia cada una de las puertas de la ciudad y otras ocho hacia las puntas de la estrella, una de ellas acompañada de un acueducto a estilo romano. Todas tendrían una ligera pendiente para facilitar el desagüe. En los extremos fuertes torres de flanqueo protegerían las puertas. Para facilitar el tráfico interno habría una calle circular que uniría pequeñas plazas rectangulares destinadas a mercados o a tener una iglesia parroquial.
La idea ejerció una notable influencia en la construcción de la fortaleza veneciana de Palmanova, creada por Vicenzo Scamozzi en 1593 para proteger a la República Veneciana de un posible ataque de los turcos a través de Eslovenia. La ciudad ya no tenía un carácter ensalzador de un personaje por lo que el centro no tiene un edificio central claro. Se potencia el uso defensivo con un foso y reduciendo a sólo tres las puertas de acceso a la ciudad.
Palmanova, 1593. Vista aérea. También se pueden ver en este blog http://algargosarte.blogspot.com/ los siguientes artículos relacionados: - Características de la arquitectura italiana. - La arquitectura italiana del Quattrocento. - El palacio Rucellai de Alberti. - La arquitectura manierista italiana. - La arquitectura de Palladio en Vicenza y Venecia. Algargos Mis blogs. - Algargos, Arte e Historia: http://algargosarte.blogspot.com.es/ - Algargos, Geografía de España: http://algargosgeoespain.blogspot.com.es/ - Algargos, Historia de España: http://algargoshistoriaspain.blogspot.com.es/

La ciudad del Renacimiento.

EL PALIMPSESTO DE LA CIUDAD: CIUDAD EDUCADORA Jahir Rodríguez Rodríguez
La ciudad del Renacimiento. El Renacimiento fue un movimiento cultural de los siglos XV y XVI, iniciado en Italia y propagado por Europa, que por extensión acabó dando nombre a un período de la civilización occidental caracterizado por la vuelta a la antigüedad clásica, como reacción contra la mentalidad teológica medieval. El término adquirió, desde entonces, connotaciones políticas, económicas e incluso religiosas. Desde el punto de vista artístico y citadino, es importante destacar que su producción y legado impregnó por los siglos a las más importantes ciudades bajo su influjo; tanto en arte religioso como en arte civil. Los estudios sobre el Renacimiento son abundantes, pero es importante resaltar el trabajo de Jules Michelet: El Renacimiento, en el que practicamente acuñó el término; los estudios culturales de Jacob Burckhardt "La Cultura del Renacimiento en Italia" y los estudios sobre arte de Erwin Panofsky. Proliferan además los tratados sobre política, principalmente acerca de Maquiavelo; las investigaciones sobre el humanismo, de manera especial los relacionados con Erasmo de Rotterdam; y con los descubrimientos, la navegación y la geografía. Y trabajos especiales acerca de personalidades como Leonardo da Vinci, Miguel Ángel, Rafael, Tiziano, Tintoretto, Durero, los Médici, Lutero, Petrarca, Boccacio y Dante Alighieri con su Divina Comedia. Desde el punto de vista de la arquitectura y el urbanismo, los renacentistas tenían las enseñanzas de la antigüedad romana y en especial el códice de Vitrubio. Con todo ello y dado el típico espíritu de los hombres de la época, se puede afirmar que la ciudad ideal del renacimiento era más una construcción intelectual y utópica. Según el tratado sobre los cuatro vientos de Vitrubio (solano, que sopla del lado del levante equinoccial; auster, del lado del medio día; favonius, del lado del poniente y septentrio, del lado del norte) y la extensión a ocho de Andrónico Cyrrhestes, la figura ideal de la ciudad renacentista sería: "Una ciudad cuya planta es un octógono rodeado de murallas. Cada lienzo de muralla se opone a un viento. En los ángulos del octógono, torres circulares muy salientes. Las razones de índole militar se suman a las consideraciones meteorológicas. La figura de la ciudad no puede ser cuadrada ni formada por ángulos muy salientes. Debe ser un recinto para poder ver al enemigo desde varios lugares; los ángulos avanzados no son propios para la defensa y son más favorables a los sitiadores que a los sitiados" (1) La ciudad ideal, con planta poligonal, forma de damero o radiocéntrica o de trazado reticular o radio concéntrica, es propia de las soluciones ideales planteadas durante el renacimiento. En este sentido, la llamada Fortaleza de Palma Nueva, en forma poligonal, construida en la antigua república veneciana "es el más completo y perfecto de una ciudad estelar, el mayor alarde por conseguir una ciudad según los esquemas ideales del renacimiento".(2) En estos criterios se aprecia una evidente articulación entre arte, política, lúdica, defensa y urbanismo. No cabe duda que La Utopía de Tomás Moro, La Ciudad del Sol de Campanella y otras elucubraciones de la misma hondura y belleza, inspiraron a los renacentistas. Parte de este legado quedó sembrado en la realidad europea. Y otra muy considerable fue trasladada a la estructura de las urbes americanas. De ahí que la primera ciudad americana trazada con rigor y concepto geométrico, en opinión de los especialistas, sea Santo Domingo. En las ciudades americanas se retomó el humanismo, la geometría y la experiencia propia, llegando a ser típico el "plano regular ajedrezado", que aún vemos en muchas ciudades de América Latina.(3) En síntesis, para el urbanismo americano, a propósito de este influjo, se tiene la siguiente clasificación:(4) - Ciudades irregulares. - Ciudades semirregulares. - Ciudades regulares. - Ciudades fortificadas de trazado regular. - Ciudades de trazados singulares.
Pero, "la ruptura con la ciudad española y portuguesa en el nuevo mundo y con la identidad cultural por ella representada, se produjo con la Independencia y con el Siglo XIX. Simón Bolívar y San Martín, los más destacados héroes de la libertad, estaban influidos por las ideas de la Revolución Francesa. Y fue también de Francia, de donde se adoptaron en este tiempo las ideas sobre urbanismo".(5) Así, surgieron en Hispanoamérica el boulevard, la gran avenida, el paseo o alameda o el lugar "para mostrarse". 1. CHUECA Goitia, Fernando. Op. cit. p. 41. 2. Ibid. 3. Un trabajo en mayor extensión que describe el origen, estructura y vida en las ciudades antiguas de América puede leerse en: Utopía del habitar urbano, de SATIZÁBAL, Carlos Eduardo. En: Diez estrategias para el control social de la gestión pública. Guadalupe. Bogotá. 1996. p. 327 y ss. 4. Cfr. CHUECA, op.cit. 5. BORSDORF, Axel. Contexto cultural de la morfología urbana. El Ejemplo de la ciudad latinoamericana. En: Rev. Universitas No. 4. l990, Tubinga. p. 293.

EL URBANISMO RENACENTISTA

Plano de la ciudad de Sforzinda, de Filarete. Utopía urbanística del renacimiento. EL URBANISMO RENACENTISTA Lo que hemos llamado Renacimiento implica, como ya sabéis, una vuelta a los ideales y valores de la antigüedad Clásica, a la que se considera paradigma de la perfección y del buen hacer artístico. Estos valores son una novedad en el s. XV, pero no tanto, pues desde el s. XIV, el humanismo se fue abriendo camino, aunque sin relegar a Dios del centro indiscutible del Universo. La cultura antropocéntrica que se va difundiendo en esta época supone, entre otras cosas, desplazar a Dios a un segundo plano, sin desecharlo, pues no podemos olvidar que no se trata de recuperar el paganismo antiguo sino de reinterpretar el legado clásico desde una perspectiva cristiana y humanista. Es en este nuevo contexto donde el urbanismo, esa disciplina que trata de ordenar y entender el desarrollo de la ciudad desde criterios racionales, cobra interés. Las ciudades medievales habían sido organismos que se habían desarrollado sin un plan previo, de forma irregular y caótica. Los grandes hitos arquitectónicos, como los palacios o las catedrales, sobresalían en la trama urbana, pero no organizaban su desarrollo más allá de algunos espacios abiertos, las plazas, a cuyo alrededor se apiñaban las demás construcciones. Ahora asistiremos a un regreso, como en casi todo lo demás, a los ideales urbanísticos que habían inspirado los modelos greco-helenísticos (el plano hipodámico) y romanos (el castrum). Se vuelve, o se intenta, aplicar el racionalismo y su expresión geométrica en los nuevos modelos de ciudad que se crean o imaginan, pues apenas se construyen ciudades nuevas, se trata más bien de proyectos ideales, casi utópicos. El gran referente será el arquitecto romano Vitrubio, que postulaba que la ciudad debía ser octogonal para hacer frente a los 8 vientos dominantes. Siguiendo este esquema, los pensadores de la época diseñan sus ciudades ideales. La arquitectura, como veremos, sí se verá muy influida por la reinterpretación de los modelos clásicos, pero no tanto en el urbanismo, pues la peste negra del s. XIV, había casi vaciado las ciudades. El urbanismo renacentista no nace, pues, para dar respuesta a las necesidades de expansión de la ciudad, sino como una extensión de los ideales clasicistas que cimentan el Renacimiento como proceso o etapa histórica y cultural. Características generales del urbanismo renacentista: Regularidad: las ciudades tienden a formas que recuerdan la circunferencia (estrella, octógono o circunferencia) y sus calles o son ortogonales o tienden al radiocentrismo. Se intenta mantener la regularidad en la altura de los edificios. Preocupación defensiva: aparecen nuevas armas de artillería, las murallas deben ser más fuertes para resistir los ataques. Esteticismo: la belleza como elemento constructivo. En este campo se desarrollará una importante arquitectura paisajística que tratará de combinar e integrar construcciones y naturaleza. Higiene: las ciudades que se proyectan han de mejorar la salubridad urbana. Orden: cada cosa está en su sitio. Las leproserías y edificios que desprenden olores se sitúan en la zona por donde sale el aire de la ciudad. La ciudad se construye en octógono para refugiarse de los ocho vientos dominantes. Cada barrio se dedica a una cosa. Calles: alineaciones rectas, ortogonales. No son un mero lugar de tránsito, sino un lugar donde contemplar los edificios. El espacio urbano se concibe, en cierta forma, como escenografía para la contemplación de los bellos edificios que se levantan, respetando la perspectiva y facilitando su disfrute estético. Plazas: para reunión y contemplación de edificios. La plaza recuerda el antiguo foro o ágora; sigue siendo, en las ciudades, el espacio donde se concentra y se hace visible la vida ciudadana. Se construyen pocas ciudades, pero las que se hacen son por: Ø Razones militares: la más representativa es Palmanova, en Italia, con forma de estrella. Ø Razones religiosas: creadas por protestantes. Ø Accidentes naturales que tiran viejas ciudades: Sicilia. Dado el escaso número de nuevas ciudades, la mayoría de las obras son de acondicionamiento de partes de la ciudad: construcción de palacios, iglesias, etc., que conllevan la demolición de edificios antiguos. Las ideas renacentistas postulan calles rectilíneas y con una arquitectura uniforme, con grandes plazas y conjuntos monumentales. La ciudad renacentista, en consecuencia, sigue siendo la ciudad medieval, pero con pequeños cambios superficiales impulsados por las élites burguesas, eclesiásticas y aristocráticas. No obstante lo anterior, estos proyectos de ciudad ideal, como el citado de Sforzinda, ejercerán una gran influencia cuando en el s. XIX, en el marco de la expansión urbana que se da durante la Revolución Industrial, se desarrolle el urbanismo contemporáneo y éste deba atender a las nuevas necesidades de una población en crecimiento y de unas ciudades que desbordan sus límites históricos, generando nuevos problemas y exigiendo nuevas soluciones que, en algunos casos, toman como referencia los modelos renacentistas. Esta entrada aprovecha información del siguiente sitio: http://apuntesurbanismo.blogspot.com.es/
Palmanova

RENACIMIENTO CARACTERISTICAS

Campidoglio. Miguel Angel.


Los Siglos XV y XVI (características del Renacimiento en el Quattrocento y el Cinquecento)
Introducción: El Renacimiento expresa un movimiento y una época donde se retorna al estudio e imitación de la literatura, arte y filosofía de la antigüedad clásica griega y romana En pintura la renovación hacia lo clásico se realiza por medio del estudio del natural y de la aplicación de las leyes de la perspectiva, únicamente este arte recibe la influencia greco-romana a través de la arquitectura y la escultura.Los cimientos de la renovación son varios, el eje más atrayente es el Humanismo orientado hacia el papel central del hombre y sus actos. La anatomía del hombre fue objeto de un minucioso estudio por parte de científicos, que dibujaban ordenadamente sus descubrimientos, involucrándose con frecuencia el rol del científico con el del pintor. Un pintor convenía de tener profundos conocimientos de teología, historia y mitología para estar autorizado en la representación de la historia que debería de narrar, el tornar a concentrarse en lo humano no es una dejadez de lo divino, por el contrario, lo divino es percibido desde la perspectiva humana para conferirlo de mayor significación: Dios trata de concebirse evidente a la razón humana, en vez de limitarlo a la impresión de la fe. Para una conveniente representación de la historia y de los personajes el pintor debería de laborar terceras ramas del saber: para los seres humanos, sé artículo anatomía y fisiología, también hubieron de estudiar mitología, lenguas clásicas y teología para representar dignamente, las escenas, los vestidos y los ambientes. La conquista de la tercera dimensión es fortalecida al colocar las figuras sobre un paisaje o en un interior, así tanto el propio volumen de la figura establece la profundidad, como también el hecho de moverse en un espacio aéreo a su alrededor.La mayor parte de la producción artística siguió consagrada al tópico religioso, con tres propósitos fundamentales: acrecentar la garantía de la predicación, lograr la emoción del fiel y conservar el dogma por medio de las imágenes. No obstante se introduce con ímpetu la pintura profana; por un lado germina el retrato representando a los mecenas de los pintores o a efigies representativas del saber, tanto moderno como antiguo; por otro la invasión del neoplatonismo florentino con representaciones paganas que se reajustan al cristianismo. La razón se recupera apoyándose en la reintroducción de la sabiduría clásica: los textos de la antigüedad que se atesoraban se traducen. Se inicia con vigor la pompa del retrato, se introducen mitologías, usualmente con trasfondo religioso e incluso misteriosos, es el caso de la obra de Botticelli, EL TRIUNFO DE LA PRIMAVERA.
Es esta etapa cuando los artistas principian en firmar sus obras, sus antecedentes biográficos son recogidos por los entendidos en arte, y sus teorías pictóricas están impregnadas de gran elaboración intelectual. El renacimiento se organiza en dos hemisferios, el Quattrocento o siglo XV y el Cinquecento o siglo XVI
En el Renacimiento, sus integrantes se autodenominan como hombres del Renacimiento, e inauguradores de una nueva Edad, la Edad Moderna, por oposición a la Edad Media , lazo de transición entre la grandiosidad de la Antigüedad clásica y su propia época.
Características del Renacimiento en los siglos XV y XVI:
El comienzo del Renacimiento Italiano suele datarse hacia el año 1420, el Renacimiento florentino es considerado por algunos historiadores del arte como un retomar la época de esplendor del Trecento temprano, en el cual se destacó Giotto por su naturalismo, donde según Vasari la renovación del arte se realiza por la imitación de la naturaleza que para él es lo mismo que el retorno de aquel (Giotto) a los maestros de la antigüedad.La pintura del Renacimiento se data en Masaccio (1401-1428). La arquitectura en el florentino Filippo Brunelleschi (1377-1446) y la escultura en Donatello (1386-1466)En la pintura renacentista Masaccio manifiesta el naturalismo de las representaciones figurativas y escénicas y el ilusionismo espacial logrado por la perspectiva central con que crea sus imágenes.Otra característica del Renacimiento en Italia es el surgimiento del individualismo, el hombre se reconoce como individuo espiritual y como indicio de la creciente conciencia de si mismos que cobran los hombres del siglo XVI, toma reanimación, la pintura de retratos donde príncipes , nobles y miembros del alto clero se hacen retratar y también miembros de la burguesía como los comerciantes, los banqueros, artesanos y eruditos humanistas e inclusive los artistas que lograron ganarse el reconocimiento de la sociedad y gozar de sus privilegios.

El Mundo moderno: Renacimiento

Zitelle Venecia 1561

Se pretendía especialmente en el siglo XV y XVI alcanzar la meta de convertirse en el hombre universal versado en muchas disciplinas, ideal que corresponde a algunos elegidos como Brunelleschi, Ghiberti, León Batista Alberti, Francesco Di Giorgio, Donato Bramante, Leonardo Da Vinci, Miguel Ángel Buonarroti y otros. En su mayoría también eran arquitectos.La arquitectura no era considerada oficio autónomo ni poseía un sistema de formación propio, dado que quien era arquitecto anteriormente tendría formación artesanal en otra disciplina donde demostraría su destreza avanzando posteriormente en tareas de mayor envergadura donde se precisarían conocimientos en geometría y de teoría de las proporciones de la arquitectura antigua.Los pintores y escultores ganarían su reconocimiento al no ser considerados artesanos normales, en la clasificación medieval de la pintura y la escultura , estas serían artes "mecánicas" no liberales. Condicionalmente las artes liberales se enseñaban en las universidades, entre ellas se destacan las disciplinas elementales como la gramática, lógica y retórica y las más elevadas como, aritmética, geometría, música y astronomía. La importancia de una formación elevada para los pintores y escultores la destacaría Ghiberti que sostenía que debían estudiar gramática , geometría, aritmética, astronomía, filosofía, historia, medicina, anatomía, perspectiva y "diseño teórico"."La Puerta del Paraíso" del Baptisterio de Florencia realizada por Ghiberti marcará un punto de inflexión en la historia del arte.Hasta entrado el siglo XV la palabra "artista" era utilizada para nombrar a los estudiantes de las artes liberales y no para un pintor y escultor. Pero los artistas como Ghiberti durante los siglos XV y XVI se emanciparon de la programática teológica dándole al concepto "artista" su significado moderno, el ser artista denota un ascenso de estatus social.Anteriormente la iglesia había sido patrocinadora del arte pero en la Italia renacentista la mayoría de las imágenes serían encargadas por laicos. Los laicos y religiosos se comportaban como personas privadas o representantes de diversas corporaciones como los gremios responsables de las obras de la Catedral y del Baptisterio que encargaban mayormente obras como esculturas. Entre los corporativos se hallaban las hermandades destinadas a las tareas religiosas o caritativas que también se relacionaban con la política y la cultura. El Estado o Gobierno de las ciudades de la misma manera se mostraría como comitente.Poco se diferenciarían los comitentes públicos de los privados cuando se habla de príncipes que actuaban como regentes del Estado, que no diferenciaban entre las funciones públicas y privadas. Los artistas recibían encargos de ellos y en oportunidades un empleo fijo como Leonardo Da Vinci en Milán. Este empleo tendría dos caras, dado que la mayor seguridad económica y aumento de prestigio estaba concatenada a obligaciones de presencia y dependencia en lo referido a la ejecución del trabajo.Hay tres tipos de motivaciones para los encargos de pintura y escultura: la piedad, el prestigio y el placer, siendo esta la que ganaría importancia en el siglo XV y XVI las familias donde se destacara más esta característica será en las de formación Humanística, dado que entre los príncipes y representantes de las grandes familias, que actuaban como mecenas de las artes, los maestros humanistas, encontrarían sus alumnos. Así también en ocasiones los artistas recurrirían al consejo de los humanistas, en cuestiones de mitología clásica y de historia de la antigüedad para la realización de sus imágenes.Los humanistas serían los primeros en difundir conocimientos de la tradición clásica por ser conocedores de literatura, también aquí los estímulos se remontarían al Trecento en el que la Antigüedad Clásica y su legado literario se reactivaría. Siendo Petrarca (1304-1374) transmisor del entusiasmo por la antigüedad a sus discípulos. Destacándose Coluccio Salutati que ocupara en 1375 el cargo de canciller en Florencia y se convertiría en el pionero de la Filología Clásica , entre sus alumnos se encuentran los humanistas de la próxima generación: Leonardo Bruni, Pietro Paolo Vergerio y Poggio Bracciolino. La percepción de la antigüedad humanística en los siglos XV y XVI se eleva al rango de ciencia en el plano teórico e ideológicamente en lo práctico se tematiza la relación entre el Renacimiento y la Antigüedad.En lo que refiere a la arquitectura: el Papa Nicolás V sería uno de los más grandes constructores del Renacimiento y comitente de León Battista Alberti quien fue participe en los proyectos para reconstruir el Vaticano, el Papa consideraba que la pintura era capaz de hacer visible el poder divino, mostrando a las divinidades como hombres y mujeres reales y llenos de vida, mientras que la arquitectura presentaba obras para la eternidad donde las personalidades e instituciones gobernarían en el presente y los siglos venideros.Con sus edificios recuperó un imperio desaparecido y lo pobló con los cristianos poniendo al frente al Papa como nuevo Pontifex Maximums reconstruyendo la Iglesia de San Pedro con un mayor esplendor y porte clásico dándole la apariencia de un "Monumento Perpetuo" creado por la mano de Dios siendo una prueba eterna de que a los papas le correspondía tanto el poder terrenal en Roma así como las llaves del cielo y de la tierra entregadas por Cristo a Pedro, primer Papa fundador de la Iglesia.De este modo se recrea la Antigüedad como un imperio cristiano eterno. Siendo el Renacimiento un instrumento persuasivo, de la historia de Italia y utilizado como legitimador de una autoridad temporal y espiritual. Se puede limitar la arquitectura papal a los siglos XI y XVI donde alcanza el papado su máximo poderío y estuvo enmarcado en los movimientos de reforma religiosa decisivos. Donde el empeño de la iglesia fue fortalecer y propagar la fe en una comunidad en crecimiento especialmente, en el vulgo y la población laica no perteneciente a la nobleza.El vulgo que se enriquecía crecía y emigraba a las ciudades cuando antes vivía en las tierras de los señores feudales o en pequeñas poblaciones de Italia, la Iglesia desidio prestarle una mayor atención y su arquitectura sería un medio de propaganda papal dirigida a los más receptivos y a los que serian su posterior apoyo. Los nuevos edificios y sus tipos se atribuían a las diversas instituciones creadas por el vulgo que eran destinatarias de la propaganda arquitectónica papal.En el siglo XV personalidades importantes y familias pudientes construyeron sus residencias privadas, urbanas y de extramuros así como nuevos centros creados para la vida política y cultura cortesana de las ciudades, aplicando las formas arquitectónicas inspiradas en la Antigüedad. Desde el siglo XV al XVI también construyeron lejos de las ciudades, villas con jardines como nuevo centro de la cultura cortesana en Italia.

lunes, 9 de noviembre de 2020

PAUTAS PARA COLOQUIO CON AYUDANTES: 1.- Aquellos estudiantes que hayan obtenido una nota equivalente a N ó N+ en las tres infografías, cuyos temas son RENACIMIENTO, REVOLUCIÓN INDUSTRIAL Y MOVIMIENTO MODERNO, deberán cumplir con la instancia de un coloquio individual con el docente (vía zoom) en el que deberá verificar el conocimiento adquirido a partir de los siguientes ítems a) Que en las tres infografías se verifiquen las características más importantes de cada contexto (Renacimiento-Revolución Industrial-Movimiento Moderno) y su ubicación temporal-espacial b) 1.-que se explique la relación del objeto estudiado en términos técnicos/tecnológicos Con el contexto 2.- que se explique la relación formal/estética del objeto estudiado con el contexto. c) Verificar que aspectos tienen continuidad o no a lo largo de las tres infografías (cortes históricos)

CONDICIONES PARA FIN DE CURSO

INTRODUCCION A LA HISTORIA DE LA ARQUITECTURA PENSAMIENTO CONTEMPORANEO1 CATEDRA Arq. JUAN GARAMENDY CONDICIONES PARA FIN DE CURSO Llegamos a un fin de cursada que por primera vez en la historia de la catedra fue totalmente virtual, si bien nuestro espacio siempre se manejó con una comunicación fluida por redes, con una de las primeras páginas web de catedra de la FAUD en los 90, después con un blog, más tarde el Facebook y en próximas ediciones serán otras redes acompañando los cambios comunicacionales. Para nosotros/as estas herramientas siempre fueron un lugar de repositorio de información, un medio de comunicación rápido, lugares virtuales de acompañamiento y completaban lo presencial La pandemia nos sorprendió (como a todos y todas) la cosa tuvo que cambiar, y sin anestesia pasamos al mundo virtual al 100%. Pero no es lo mismo, para nosotros la falta de lo presencial nos dejó un gran vacío, no poder verlos en las teóricas y ver sus caras y dudas (aunque algunos se duerman) y a los auxiliares el poder trabajar y corregir con Uds. allí y sobre el papel, nunca será lo mismo, ni nos acostumbraremos a la cámara y el micrófono, el trabajo en formato de taller presencial es irremplazable. Llegando a fin del curso, cansados al igual que ustedes, con una sobrecarga que impone el sistema, agradecemos su paciencia (y espero valoren la nuestra) y les damos las pistas finales de como es el cierre de este ciclo 2020. L@s estudiantes que llegan a fin de curso tendrán las siguientes instancias y que su condición particular (A, B, C, D) será comunicada el día miércoles 25 de noviembre por los canales habituales que manejan con sus auxiliares. A- Estudiantes aprobados con nivel o más tendrán la cursada aprobada y darán un coloquio con su auxiliar antes de la fecha de diciembre y de forma virtual defendiendo y exponiendo los tres TP de las infografías (Renacimiento – Rev. Industrial – Movimiento Moderno). Tendrán una guía para esta exposición. Luego de eso y con resultado positivo deberán anotarse por el SIU a la mesa de examen de diciembre para poder subirles la nota final (de 4 a 10). Si no aprobaran el coloquio quedarían con la condición de estudiante regular y podrán dar examen con la modalidad B en cualquier mesa de examen posterior. B- Aprobados con nivel menos. Tendrán la cursada aprobada y deberán anotarse por el SIU a la mesa de examen de diciembre o cualquier fecha de examen siguiente para dar examen escrito sobre los contenidos del curso 2020 (de Grecia a Mov. Moderno) Si aprueban ese examen se les subirá la nota, si no fuera así se podrán presentar en cualquier otra mesa de examen en condición de estudiante regular (ya tienen la cursada de la materia). C- Exámenes libres: Cualquier estudiante que por no haber terminado la cursada, no haber cursado la materia con nosotros o con nadie y que se encuentre debidamente anotado en la carrera podrá inscribirse en las mesas de examen (siempre con los plazos que exige la FAUD y el sistema SIU) para dar un final en esa condición. Los libres dan un examen escrito primero que se corrige en el momento para, si está aprobado, pasar a la instancia de examen oral. Los contenidos de los exámenes libres, son los contenidos del programa de la materia vigentes en el año que se presenten y se podrán hacer preguntas de todo ese programa. D- Aquell@s estudiantes que habiendo cursado 2020 y adeuden trabajos incompletos o desaprobados podrán obtener la condición de regulares para dar examen en el formato B, si entregan a sus auxiliares los trabajos en la fecha de recuperación de contenidos establecida por la FAUD. En nuestro caso la última fecha de entrega sería el 3 de marzo de 2021. FECHAS ESTABLECIDAD POR CALENDARIO ACADEMICO FAUD La inscripción a mesas de exámenes [por SIU GUARANÍ] es hasta 10 días previos a la fecha de examen Mesa de Exámenes Modalidad Virtual [todas las carreras sin cursadas] 09 al 22 de diciembre 2020 Receso Estival 31 de diciembre 2020 al 28 de febrero 2021 Período recuperación y/o compensación de contenidos 01 de marzo 2021 01 al 13 de marzo 2021 Mesa de Exámenes Modalidad Virtual [todas las carreras sin cursadas] 15 al 27 de marzo 2021 Inicio Ciclo Lectivo 2021 05 de abril de 2021 PROGRAMA ACTUALIZADO PARA DESCARGAR (libres) https://mega.nz/file/dRBQHTaA#yyZuVWmk22yUiVFY3pZxOTxIXz65tou2Qwjdg8NdH10 o https://historiadelhabitat.blogspot.com/2018/12/programa-y-bibliografia-actualizada-2018.html NUESTRAS REDES: Consultas: historiadelhabitat@gmail.com Blog: https://historiadelhabitat.blogspot.com/ Facebook: https://www.facebook.com/historiadelhabitat Plataforma Virtual: https://campusfaud.mdp.edu.ar/course/view.php?id=52

PROGRAMA Y BIBLIOGRÁFICA ACTUALIZADA 2020/21

Para descargar https://mega.nz/file/dRBQHTaA#yyZuVWmk22yUiVFY3pZxOTxIXz65tou2Qwjdg8NdH10

domingo, 25 de octubre de 2020

ARQUITECTURA Y ARTES PLÁSTICAS

Chashnik artista Coonstructivista Ruso
RELACIONES ENTRE ARQUITECTURA Y ARTES PLÁSTICAS
La efervescencia estética de los primeros decenios del siglo XX y el perpetuo deseo de innovación que afectaba a la pintura y a la escultura también se dejaron notar en la arquitectura aunque, como es lógico, la libertad creativa en ésta resulta bastante más limitada que en las otras.
Con independencia de las influencias cubistas en algunos de los grandes arquitectos del periodo, Antonio Sant'Elia redactó el Manifiesto de la Arquitectura Futurista; aunque su inclinación al socialismo le hiciese alejarse de Marinetti, algo queda de futurismo en sus diseños que sólo fueron eso puesto que murió en 1916. Theo van Doesburg, uno de los animadores del Neoplasticismo, encarnado en la revista De Stijl, realizó diseños arquitectónicos y llegó a construir alguna que otra obra de carácter menor en la que se nota el origen pictórico del diseño; sería J.J.P. Oud, ligado también a De Stijl, quien ofreciese una versión más práctica del neoplasticismo (Viviendas mínimas de la Exposición de Stuttgart, 1927) aunque la influencia racionalista resulta innegable; Williem Marius Dudock también posee ecos neoplasticistas (Escuela Fabritius y Ayuntamiento, Hilversum, 1924-28) unidos a reminiscencias de Berlage.
El Constructivismo ruso tiene excelentes -pero efímerosrepresentantes en arquitectura. El Monumento a la Tercera Internacional, de Vladimir Tatlin, diseñado en 1919 era sólo el inicio; los proyectos de Eliezer Lissitzky (Rascacielos Horizontales) quedan en eso pero Konstantin Melkinov pudo ver realizadas algunas de sus interesantes obras influidas por la plástica constructivista como el Club Obrero de Moscú, 1925, (construido por Golosof) y el Pabellón de la URSS en la Exposición de París en 1925.
El Expresionismo tuvo una gran importancia en Alemania y algunos arquitectos practicaron una arquitectura con ciertas influencias suyas. Hans Poelzig construyó en 1919 el Teatro de Masas de Berlín, con un techo de aspecto estalactítico; Fritz Höger levantó entre 1922-23 la Chile Haus de
Hamburgo; Bruno Taut la Casa de Cristal, Colonia, 1914; Rudolf Steiner construyó y reconstruyó -en aspecto diferente pues el primero era de madera- el Goetheanum. De entre todos destaca la figura de Erich Mendelsohn (1887-1953) cuya obra sería eclipsada, en cierto modo, por la tiranía estética ejercida por la Bauhaus pero que posee una impresionante plasticidad como puede apreciarse en la Torre Einstein en Postdam (1920- 21) o en los Almacenes Schocken de Stuttgart, 1927; tuvo que huir de los nazis primero a Inglaterra y luego a U.S.A. donde siguió trabajando.
El estilo generado por la Exposición de Arte Decorativo de París en 1925 (Art Decó) puede ser considerado, en cierto modo, como el eclecticismo de la vanguardia y la recuperación del carácter decorativo de los edificios modernistas; una construcción emblemática de esta sensibilidad es el Chrysler Building de New York (1928-30) de William van Alen; el desarrollo del cine como espectáculo de masas por aquellos años determina la edificación en ese estilo de muchas de esas salas.

Ciudad del Movimiento Moderno

Metropolis Paul Citroen.1923

ARQUITECTURA DEL SIGLO XX
URBANISMO


El desarrollo urbanístico burgués se continúa a principios del XX con ejemplos parecidos a los de París, Viena o Barcelona pero hay un caso que se aparta un tanto de ellos porque para su realización se contaba con una legislación -plan general, plan parcial, proyecto arquitectónicoadecuada a las nuevas necesidades; es el plan de Ensanche de Amsterdam-Sur (1902-1917) debido a Berlage que diseña un sistema unitario de vías de comunicación (ya de por sí anchas) con una zona central rápida y otras laterales más lentas de servicio al mismo tiempo que diseña una fachada unitaria para los diferentes bloques.
El periodo de entreguerras
El padrón constructivo de la Gran Guerra elevó de forma onsiderable el precio de las viviendas lo que obligó a una intervención estatal para corregir estas deficiencias, lo que se traduce en un intervencionismo en los problemas urbanos que exigen, a su vez, un desarrollo legislativo.
Por otra parte, el movimiento moderno había estado elaborando diferentes soluciones a los problemas de organización urbana; J.J.P. Oud, que estaba relacionado con el Neoplasticismo, proyectará el racionalismo de su práctica arquitectónica en los barrios obreros de Rotterdam (1925- 29), en los que se traducen sus preocupaciones sociales al igual que en otras obras de arquitectos alemanes de la época como en los barrios (Dessau, Karlsruhe, Berlín) diseñados por Walter Gropius que veafectados sus proyectos por la crisis alemana.
Quien mejor representa los ideales del racionalismo urbanístico es Le Corbusier que a lo largo de este periodo diseñó diversos planes urbanos (Ville Contemporaine, 1922; Plan Voisin, 1925; planos para Argelia, 1930; Ville Radieuse, 1935) de todos ellos (que tienen como característica común la existencia de grandes rascacielos simétricos en el centro de negocios y edificios -dispuestos de tal forma que se destruye el concepto de calle-corredor y puede llegarse a la calle peatonal- de menor altura alrededor, todos rodeados de zonas verdes y relacionados por rápidas y complejas vías de comunicación y convenientemente separados de las zonas industriales) el más interesante es la Ville Radieuse. Su urbanística se encuentra en la línea de Garnier pero es más utópica.
Otros arquitectos racionalistas se encontraron, como Le Corbusier, con el problema de que las condiciones socio-económicas de la época hacían imposibles en la práctica sus teorías que, en líneas generales, se recogieron en la Carta de Atenas (conclusiones del cuarto congreso de los
C.I.A.M. de 1933) en las que se señalaban las directrices que había de seguir la urbanística del racionalismo . Tampoco resultaban posibles de llevar a la práctica las ideas de Wright concretadas en su plan para una ciudad (Broadacre) a mitad de camino entre lo propiamente urbano y lo rural.
El urbanismo después de la Segunda Guerra Mundial
La destrucción provocada por la Segunda Guerra Mundial puso a prueba el ingenio de los urbanistas. Los modelos usados para la planificación urbana se mostraron dependientes de los valores sociales y políticos que cada estado defendía como propios. Las ciudades del este de Europa (Desdre, Varsovia, San Petersburgo, Moscú) muestran a las claras las ventajas de un sistema dirigido con la aplicación de los principis -bastante edulcorados- del movimiento moderno. En el norte de Europa, Aalto, Jacobsen y Utzon buscan un equilibrio entre los imperativos colectivos y las necesidades individuales valorando de forma adecuada el entorno, las tradiciones locales y la pequeña escala. Las "New Towns" inglesas no ofrecían nada nuevo que no estuviese implícito en los diseños de las ciudades jardín.
En algunos países del Tercer Mundo las limitaciones de medios y espacio fueron menores, tal como puede apreciarse en los diseños de Brasilia y de Chandigarh. Chandigarh, la capital del Punjab fue encargada al propio Le Corbusier (muy de vuelta de su purismo de los años veinte) en 1951 quien inició su construcción a escala monumental pero su obra debió ser continuada por otros arquitectos. Brasilia es, en cierto modo, el resultado de la megalomanía del presidente Kubitscheck que convocó un concurso internacional por el que se aprobó el plan de Lucio Costa (discípulo de Le Corbusier) en 1957; en 1960 se inauguraba la que iba a ser capital de Brasil, construida en una planicie desierta a mil kilómetros de la costa dentro de un país que concentra su población al lado del océano. Se realizó un lago artifical y se diseñó un esquema urbano tan sencillo como la figura de un pájaro con las alas desplegadas que fue completado con los edificios de Niemeyer y los diseños paisajistas de Roberto Burle Marx; todavía hoy sigue su proceso constructivo. Sin embargo en estos y en otros lugares del mundo en vías de desarrollo (Egipto, Argelia, Israel) se ha ensayado la construcción con el rígido modelo ideal propio de las utopías modernas de occidente despreciando el clima y las tradiciones locales.
A finales de los años 50, los arquitectos europeos comienzan a cuestionarse esos modelos ideales. El "Team X" (Aldo van Eyck, los Smithson, Louis Kahn, Coderch, Bakema) se muestran mucho más abiertos a la construcción en función del ambiente y piensan que es mejor trabajar con escalas intermedias (barrios) que con las grandes dimensiones; sus teorías las pudieron aplicar en Milán, Amsterdam, Londres, Filadelfia, Barcelona o Rotterdam. Durante la década de los sesenta el grupo inglés Archigram da a conocer sus proyectos basados en la aplicación a ultranza de la tecnología y aunque sus proyectos apenas pasan del papel influyeron de forma considerables en una nueva apreciación de los problemas urbanos. Los tres últimos decenios han sido de una complejidad total aunque ha tomado forma la necesidad de combinar en los núcleos urbanos la construcción moderna con las viejas formas de la ciudad clásica que resultaban mucho más agradables para los ciudadanos; tales son las ideas de Aldo Rossi o los planes de Robert y Leon Krier para Bruselas o el experimento para el Internationale Bauansstellung (IBA) de Berlín; por lo que respecta a la reconstrucción de los centros históricos, el modelo considerado como más válido es el de Bolonia.

Ford modelo T – 100 años de historia

Henry Ford y un T 24 Centerdoor
El Ford Modelo T (popularmente conocido como el Tin Lizzie) fue un automóvil producido por Henry Ford en su Ford Motor Company desde 1908 hasta 1927.
1908 fue el año histórico en que el automóvil entró en el uso popular. En general, se considera como el primer automóvil asequible, el coche que “puso América sobre ruedas”, gracias a las innovaciones de Ford, incluida la producción en línea de montaje en serie.
La producción del Modelo T comenzó el 27 de septiembre de 1908, en la Planta Piquete, en Detroit, Michigan.
A través una encuesta internacional, el Ford Modelo T fue nombrado el automóvil más influyente mundo en el siglo XX
Henry Ford dijo que construiría un vehículo para las grandes mayorías, que sea bastante amplio como para la familia, pero lo suficientemente pequeño como para que el mismo propietario pueda mantener y reparar. Se construirá con los mejores materiales, por los mejores hombres con el diseño más simple que mas moderna ingeniería pueda concebir. No obstante, será de bajo precio para que cualquier hombre que posea un buen salario sea capaz de poseer uno y disfrutar con su familia la bendición de horas de placer en espacios abiertos.
Sí bien la producción del Modelo T se inició en 1908, los modelos de gama fueron 1909 a 1927.
El Modelo T tenía un motor montado adelante de 2,9 lts. de cilindrada, de cuatro cilindros en línea y válvulas laterales que producía 20,2 CV (15 kW ) con el que lograba una velocidad máxima de 64-72 km / h. El consumo de combustible era del orden de 5 a 9 kilómetros por litro o 11,1 a 18,7 litros por cada 100 km.
No era cosa sencilla conducir un Ford Modelo T:
Metodo de puesta en marcha evitando que el retroceso del motor dañe la mano del operador.
En primer lugar había que “darle manija”, esto es ponerlo en marcha manualmente y con gran cuidado personal ya que si no se atrasaba manualmente el avance del encendido (tenía una palanca debajo del volante a la izquierda – el bigote – para el efecto) para evitar el retroceso del motor si no arrancaba rapidamente, con posibles graves consecuencias para la mano del arrancador. Por otra parte, si el tiempo era frió y, a pesar de estar en neutral (punto muerto), el aceite frío de la caja de velocidades provocaba un arrastre que hacía arrancar intempestivamente al automóvil, con peligro para el conductor o sus acompañantes. Salvados estos problemas, se comenzaba el viaje.
El acelerador se operaba manualmente con otra palanca debajo del volante, ahora a la derecha (el otro bigote). Empujando suavemente hacia delante el pedal de la izquierda se accionaba la velocidad “baja” y el vehículo comenzaba su marcha, para pasar al “alta” había que empujar hacia delante la palanca que se hallaba en el piso a la izquierda del conductor y luego soltar el pedal de la “baja” y así se circulaba regulando la velocidad con la mano derecha. Para frena se empujaba el pedal izquierdo hasta la mitad de su recorrido y se accionaba el freno con el pedal derecho. Antes de bajar del auto había que tirar hacia atrás la palanca de la izquierda para que trabe el pedal y quede en punto muerto. Manteniendo esta disposición se podía utilizar la marcha atrás haciendo presión sobre el pedal central. No era sencillo pero era muy divertido.
Los primeros modelos tenían un magneto que generaba corriente para alimentar las bujías de encendido y las luces funcionaban a gas de acetileno por lo que había que cargar el gasógeno con carburo y agua y esperar que genere el gas, luego encender los faros con fósforos o chisperos.
Después de 1915 se agregó una batería de 6 voltios, luces eléctricas y motor de arranque (que no era muy confiable).
El combustible llegaba al carburador por diferencia de nivel con el tanque, que estaba debajo del asiento del conductor, no existía la bomba de nafta, y cuando se subía una cuesta muy prolongada el carburador se quedaba sin nafta y el motor se detenía. Para estos casos, la solución era subir la cuesta en marcha atrás. En 1926, el depósito de combustible se trasladó bajo el carenado del torpedo en la mayoría de los modelos solucionando definitivamente el problema.
También tenía un freno de mano, o de emergencia, que se accionaba con la misma palanca del lado izquierdo, tirándola totalmente hacia atrás.
Las suspensiones contaban con un solo elástico transversal en cada eje y había un sistema de amortiguación adicional compuesto por unos resortes que friccionaban contra los mencionados elásticos para disminuir el balanceo.

Las ruedas eran de rayos de madera (ruedas artilleras), hasta 1926 y 1927 en que se reemplazaron por ruedas metálicas con rayos de acero y capacidad para gomas mas anchas. Los neumáticos en las ruedas de madera eran de medida 30” x 3,5” (76 cm de diámetro x 8,9 cm) y las metálicas de 21” x 4,5” (53 cm de diámetro x 11 cm).
La distancia entre ejes es 251,46 cm, mientras que la anchura de rodadura estándar era de 142 cm, que es la medida de la trocha de los ferrocarriles Americano, esto permitía sacar los neumáticos y apoyando sobre la llantas, circular por las vías cuando el camino no era practicable (años 1908… ) [editar] cambios en el diseño.
Hubo pocos cambios importantes durante toda la vida útil de este modelo aunque fue evolucionando de acuerdo a su época. Muchos de los primeros automóviles eran abiertos como turismo y runabouts, por que eran mas más baratos que los coches cerrados. El Modelo T utilizó desde el principio tecnología avanzada, por ejemplo, el uso de acero vanadio. Su durabilidad fue fenomenal y muchos Modelo T y sus piezas siguen en uso 100 años después.
Colores
A Henry Ford se le imputa haber dicho “El cliente puede tener un coche pintado de cualquier color que quiera siempre que sea negro”. En realidad, Modelo T fue ofrecido en diferentes colores entre 1908 a 1914, y luego nuevamente de 1926 a 1927. A menudo se afirma que Ford optó por el negro porque la pintura seca más rápido que otras pinturas de colores disponibles en el momento, y un más rápido secado de la pintura le permitiría construir coches más rápido, ya que no habría que esperar a que la pintura se seque.
Más de 30 tipos diferentes de pintura negra se utilizaron para pintar diversas partes del Modelo T. Los distintos tipos de pintura se han formulado para satisfacer los diferentes medios de aplicar la pintura a las diferentes partes, y que tienen diferentes tiempos de secado, dependiendo de la pintura y el método de secado utilizado para cada una. Documentos de ingeniería Ford sugieren que el color negro fue elegido porque era mas barato y duradero.



Finalmente, y luego de fabricar mas de 15.000.000 de unidades, el 26 de mayo de 1927, Ford Motor Company cesó la producción del modelo T y comenzó el cambio necesario para producir el modelo A
Motores Modelo T siguieron siendo producidos hasta el 4 de agosto de 1941. Casi 170.000 motores fueron construidos después que la producción de vehículos se detuvo.
El Ford Modelo T fue el primer automóvil construido por varios países simultáneamente. En primer lugar construido en el extranjero por parte de Ford de Gran Bretaña en 1914, también fueron fabricados por Ford en Alemania y varios países de América del Sur, incluyendo Argentina y Brasil.
Ford se puso en marcha en 1903 con u$s 28000 en efectivo de doce inversores, sobre todo John y Horace Dodge (que más tarde fabricarían autos con su marca en su propia empresa). Durante sus primeros años, la compañía produjo a pocos coches al día en su fábrica de Mack Avenue en Detroit, Michigan. Grupos de dos o tres hombres trabajaban en cada uno de los componentes del automóvil como en otras empresas. Henry Ford tenía 40 años cuando fundó la Ford Motor Company, que iría a convertirse en una de las más grandes y más rentables empresas del mundo, así como ser capaz de sobrevivir la Gran Depresión. Como una de las empresas controlada por la familia más grande del mundo, la Ford Motor Company ha estado en continuo control de la familia durante más de 100 años.
http://www.testdelayer.com.ar/Historia%20Ford%20Comienzos.htm
https://www.youtube.com/watch?v=Xy5oOQloXe0
https://vidaalvolante.wordpress.com/tag/caracteristicas-ford-t/


MUEBLES DEL MOVIMIENTO MODERNO

.

El taller de Muebles de la Bauhaus
Dentro del taller de muebles de la Bauhaus cundía el mismo espíritu que en el resto de la colonia: fabricar muebles de diseño capaces de ser realizados en serie. En la escuela se daba un curso preliminar donde se enseñaba a los alumnos a trabajar los materiales, el color y la forma. El mayor exponente en el diseño de sillas en la escuela alemana fue Marcel Breuer, quien a pesar de no se el primer diseñador en usar una estructura tubular para sus sillas, si fue el que lo popularizó. De esta escuela también destaca el autor de la silla moderna que probablemente más unidades haya vendido Mies Van der Rohe, quien es máximo exponente del diseño funcional con piezas como la Silla Barcelona o la Brno. Tampoco debemos obviar a otros grandes diseñadores de sillas modernas adscritos a esta escuela como Mart Stam.

Las Sillas de Le Corbusier
No podemos obviar la figura de este magnífico arquitecto, a pesar de que no realizó un gran número de sillas, algunos como su sillón cubo diseñado en 1928 han supuesto grandes aportaciones al diseño de mobiliario moderno. En la órbita de Le Corbusier encontramos a René Herbst precursor del uso de metales industriales en las sillas fabricadas en serie.

Los diseñadores escandinavos
Son múltiples los diseñadores escandinavos que podemos citar:Eero Aarnio, Tapiovaara, Alvar Aalto o Arne Jacobsen se caracterizaron por una prolífica carrera. Sus diseños guardan en común el gusto por el diseño orgánico, diseño que generalmente se apoya sobre la madera láminada, material cuya técnica de producción evolucionaba a pasos agigantados, siendo posible tomar cada vez formas más radicales. Sus diseños fueron evolucionando hasta llegar en los años sesenta a lo que se ha venido a denominar la era espacial. Aquí diseñadores como Jacobsen o el diseñador americano pero de origen finlandés Eero Saarinen dieron mucho que hablar con sillas como la silla Tulipán o la silla corazón, hoy en día continúan siendo un éxito de ventas gracias a su diseño orgánico.

Las sillas de Ray y Charles Eames
La revolución que causó el matrimonio Eames en los años cincuenta es comparable a la que generó la Bauhaus en los veinte. Nuevas formas esculpidas y orgánicas, algunas procedentes de esculturas como La Chaise, así como nuevos materiales le dieron a este matrimonio fama mundial. Todo ello quedó plasmado en la Eames Loungue, un sillón cuya estructura en si misma era una escultura y una magnífica pieza de ingeniería a la vez


SITIOS RECOMENDADOS


http://arte-momo.blogspot.com/2009/04/decora-en-momo-sillon-butterfly.html


http://mueblesantiguos.juegofanatico.cl/modernos/eames.htm


CADA NOMBRE ES UN LINK CON MATERIAL